August 14, 2018


“Ser, Habitar e Imaginar”  brings 14 names of Brazilian Contemporary Art to Miami

A collaboration between the Brazilian platform Carré Art and Aluna Art Foundation exhibition with a talented group of emerging Brazilian artists at
Concrete Space | Art Industry Movement Project.


Ana Calzavara, Antonio Bokel, Daniel Taveira, Ivonete Leite, Karla Caprali, Liene Bosquê, Mano Penalva, Marcelo Macedo, Maritza Caneca, Mariza Formaggini, Mateu Velasco, Mauricio Mallet, Michelle Rosset, Thainan Castro.


September, 1st, 2018 at 5pm | Until October, 15th by appointment
Concrete Space 
3400 NW 78th Ave. 
Miami, Doral, FL 33122



"To inhabit means to leave traces,” states Walter Benjamin, to whom architecture was the oldest of the arts, reasoning that the need to seek refuge precedes all other forms of expression, is explored in Ser, Habitar e Imaginar– a collective show presenting a select group of emerging Brazilian artists.

The exhibition is organized on two floors. On the first floor, the works refer to the connection, both ontological and social, between the notion of inhabited places and the remnants of the architecture, as well as symbolic spaces represented in various mediums. The concept of inhabiting embraces the symbolic burden of certain places marked by history, and other modes of rituality that exist in places such as popular markets. Although predominantly an exploration of urban cultures, the project also studies the inhabiting of the indigenous populations, specifically the Kuikuro Village, in Mato Grosso, Brazil (Mariza Formaggini).

On the second floor, the works display fantastic and/or poetic universes. Paintings and graphic works contain moving, intense inner universes in which images of children in spaces connected to memory are recurrent.

Between being and imagining there is a transition from the real world to the potential world, exploring geographical places that mark us, while also immersing in intimate spaces where beyond the beautiful or terrible, we stare at the fantastically human potential to reinvent the self.

Ana Calzavara photographs interior and exterior spaces – uninhabited or in a state of suspension. Manipulating the color, structure, and chiaroscuro, Calzavara's images once again offer architecture our gaze’s undivided attention, which we so rarely offer the spaces we inhabit. Marcelo Macedo recovers fragments of obsolete objects, such as wood from objects or places, for the geometric series Grande rede that in turn connects with the influence that constructivism had on Brazilian architecture during the 50’s.Liene Bosquê explores architectures through diverse practices, documenting the collective memory as well as intimate traces. The photos in her Heritageseries document the ephemeral installation she made with masking tape, ‘drawing’ furniture over the empty spaces of her grandmother's country home in Garça, shortly after her death. The conceptual gesture, which can be traced back to Joseph Kosuth, acquires an intimate character; it can also be repeated incessantly in other empty spaces, becoming an echo. The bricks of Bosquê’s AMEZ piece were constructed with latex and evoke the oldest African-American church in Syracuse with fragile materials that she applied to the present surface of the building to capture waste, literally resurrecting traces of a key place in the history of the city. Being additionally transformed into fine art, the fragile history acquires a new mode of durability.

Through the photographs of empty or full pools that Maritza Caneca has documented in various parts of the world - after contemplating her own memory at the bottom of the abandoned pool of her grandparents' home - she has built a kind of water diary that ends up reflecting moments of the history of each place. In turn, Antonio Bokel's relationship with the remnants is constructed in compositions where the juxtaposition and the hybridity of fountains end up unifying evocations of urban constructions and nature as graffiti that ‘stain’ the walls. The combination of bare wood, graphic expressionist gestures, and architectural features also remind us of the way in which figures such as Niemeyer and Burle Marx transplanted the forms of nature into their constructions. The urban fabric unfolding in layers of images with enormous freedom of gesture inhabits his artworks and is part of our memories of landscapes contaminated by chaos.

Mano Penalva evokes the grid that, as Lucy Lippard claimed, was the matrix of modernity. But with the iconoclastic humor that characterizes him, he uses – as readymades – the racks once used by street vendors to display products. Thus, he maintains low-cost sculptures and, more importantly, makes his works easy to transport, similar to a version of the Duchampian suitcase that pastes a smile on the enraged dreams of modernity and a gesture of appropriating popular esthetics. This is also the source of his travels through the markets and factories in Mexico City to collect images of the sexuality of the statues and spy on the relationship with the intimate. It took more than a half thousand photos of "folds of cloths, tarpaulins of tarpaulins of markets and gestures of the workers" covered in yellow, like the pages of the business telephone directories and of the skin of the city. What he captures as a foreigner in the space of informal commerce is a way of being and living that implies the survival of exchange of objects not regulated by the global market and other architectures of coexistence.

The photographs and drawings on paper in dialogue that Ivonete Leite and Daniel Taveira have taken on their travels, Liene Bosquê in her performances and Michelle Rosset building on tactile surfaces that incite tactile desire, are gathered in a room where the relationship is explored between the surface of the walls, fabrics, human body, history and geography of the land that we inhabit. Leite presents two aerial photographs of the archaeological site of Masada, one of the strongest symbolic places on the resistance of a town and the defense of self-determination. A key place to those of Jewish faith, Taveira portrays the hands of a believer praying at the annual Timkat festival, "an orthodox Christian celebration of the Epiphany, reminiscent of the baptism of Jesus in the Jordan River." The fabrics that cover it work as a shelter for the sacred.

Mariza Formaggini's work is a small selection of photographs taken over a five-year journey. Investigating, as part of a multidisciplinary project, the routes, rituals and popular uses of the flute in different regions of Brazil became a recurring theme in her documentation. Selected from hundreds of images that reveal minute aspects of living in the indigenous reserve of the Upper Xingu, we see the integration between body and nature, and between Western uses and ancestral rites, revealing in this documentary series whose virtue is not the perfect moment but just the opposite - the registration of the habitual that gives form to an own ontology.

On the second floor of the exhibition, the relationship with being unfolds from the conjugation of the verb 'imaginar'(imagine) in spaces connected to the memory of childhood - as in the vague, fuzzy memories of Mauricio Mallet's childhood. But this is not limited to the superficial image of lost paradise; it holds the depth of human contradictions. It is an ocean in which we sometimes float alone, as in a work by Karla Caprali who is unafraid of capturing the piercing truth in her fantastical works. An offending or political violence also lurk in some of her embroideries, with her subjects being innocent children surrounded by the unrest of the evolving world.

The young characters drawn in ink by Thainan Castro emit an infinite delicacy as they jump rope, push a wheel, and play with the sand on the lines of poems that cannot - nor need to - be read, and whisper a secret out of our reach. Mateu Velasco, too, paints the worlds of children, almost always with enormous clouds of chaos in the place of their heads, where they carry an cornucopia of small objects. Often, figures such as rabbits or fish are incorporated into an iconography revolving around the urgency - or the impossibility - of communicating the cosmos contained in our minds to others. What Velasco, Thainan, Caprali and Mallet all have in common is that they suggest the urgency of the imagination to navigate the labyrinth of the world we inhabit.



“Habitar significa dejar rastros”. Esa expresión de Walter Benjamin, para quien la arquitectura era la más antigua de las artes porque la necesidad de buscar refugio antecede todas las demás expresiones, se explora en Ser, Habitar e Imaginar a partir de la obra de un grupo de artistas brasileños emergentes. ¿Cuál es la relación con los rastros que dejamos o observamos en el exterior de las urbes, o en interiores que modelan nuestro estar en el mundo? Y, al tiempo, ¿cuál es la relación entre ese mundo que habitamos y el acto de imaginar? 

La exhibición se ha organizado en dos plantas. En la primera, las obras remiten a la conexión, tan ontológica como social, con la noción de lugar habitado a partir de los rastros de las arquitecturas, pero también de espacios simbólicos representados en diversos medios. El concepto de habitar abarca la carga simbólica de ciertos lugares marcados por la historia, pero también ese otro modo de ritualidad que hay en lugares como los mercados populares. Si bien predominan las exploraciones sobre la cultura urbana, un proyecto explora el habitar de la población indígena de la Aldea Kuikuro, en Mato Grosso.

En la segunda planta, las obras despliegan universos fantásticos y/o poéticos. Pinturas y trabajos gráficos contienen universos interiores conmovedores, intensamente afectivos, en los cuales son recurrentes las imágenes de niños y niñas en espacios conectados a la memoria.

Entre el habitar y el imaginar hay un tránsito de los mundos reales a los posibles, exploraciones de lugares geográficos que nos marcan, pero también inmersiones en espacios íntimos, en dónde más allá de lo bello o lo terrible, de lo que nos consuela o nos acecha, entrevemos la fantástica posibilidad humana de reinventarnos.

Ana Calzavara fotografía interiores y exteriores deshabitados o en un estado de suspensión, construyendo con el color, las estructuras y los claroscuros, imágenes que devuelven a la arquitectura ese modo de atención de la mirada que no solemos dar a los espacios que habitamos. Marcelo Macedo recobra fragmentos de objetos en desuso, como maderas de objetos y lugares, para la serie geométrica Grande rede que a su vez se conecta con la influencia que el constructivismo tuvo en la arquitectura brasileña en los 50s. Liene Bosque explora en prácticas diversas la arquitectura como archivo tanto de la memoria colectiva como de rastros íntimos. Las fotos de su serie Heritage documentan la instalación efímera que hizo con cinta de enmascarar “dibujando” muebles sobre los espacios vacíos de la casa rural de su abuela en Garça, poco después de su deceso. El gesto conceptual, que se remonta a Joseph Kosuth, adquiere un carácter íntimo; pero a la vez, puede repetirse incesantemente en otros espacios vacíos  y ser nuestro eco. Los ladrillos de su obra AME están construidos en latex y evocan la más antigua iglesia afroamericana en Syracuse con este material frágil que aplicó sobre la superficie actual del edificio para capturar residuos, literalmente como si tomara las huellas de un lugar clave en la historia de la ciudad. Transplantado al arte, el registro frágil adquiere otro modo de perdurabilidad. 

A través de las fotografías de piscinas vacías o llenas que Maritza Caneca ha tomado en varios lugares del mundo ―después de contemplar su propia memoria en el fondo de la piscina abandonada de la casa de sus abuelos - ha construido una suerte de diarios del agua que acaban reflejando momentos de la historia de cada lugar. A su vez, la relación de Antonio Bokel con los rastros se construye en composiciones donde la yuxtaposición y la hibridez de fuentes acaba por unificar evocaciones de construcciones urbanas y de la naturaleza a modo de grafittis que “manchan” las paredes. La combinación entre la madera desnuda, los gestos gráficos expresionistas y los trazos arquitectónicos recuerdan también el modo en que figuras como Niemeyer o Burle Marx transplantaron las formas de la naturaleza a sus construcciones. El tejido urbano que despliega en capas de imágenes con enorme libertad gestual lo habita y forma parte de nuestra memoria de paisajes contaminados por el caos.

Mano Penalva evoca la cuadrícula o grilla que, como afirmaba Lucy Lippard, fue la matriz de la modernidad. Pero con el humor iconoclasta que lo caracteriza emplea –a modo de readymades- las rejillas que usan vendedores callejeros para desplegar productos. Así, crea esculturas de bajo costo y sobre todo fáciles de transportar, como una versión de la maleta duchampiana que contiene una sonrisa sobre los sueños engrandecedores de la modernidad y un gesto de apropiación de la estética popular.  Esta es también la fuente de sus viajes por los mercados y las fábricas de Ciudad de México para recolectar imágenes de la sexualidad de las estatuas y espiar su relación con lo privado.  Tomó más de medio millar de fotos de “pliegues de telas, amarres de lonas alquitranadas de los mercados y gestos de los trabajadores” cubiertas de amarillo, como las páginas de los directorios telefónicos de negocios y a modo de piel de la ciudad.  Lo que como extranjero capturó en los espacios del comercio informal es un modo de ser y habitar que no sólo supone la pervivencia de intercambios de objetos no regulados por el mercado global y otras arquitecturas de la convivencia.

Las fotografías y dibujos en papel en diálogo que Ivonete Leite y Daniel Taveira han tomado en sus viajes, Liene Bosque en sus performances y Michelle Rosset construido en superficies táctiles que incitan el deseo tactil, están reunidas de una de las habitaciones donde se explora la relación entre la piel de las paredes, las telas, el cuerpo humano, la historia y la misma geografía de la tierra que habitamos. Leite presenta dos fotografías aéreas del yacimiento arqueológico de Masada, uno de los lugares simbólicos más fuertes sobre la resistencia de un pueblo y la defensa de la autodeterminación. Si este lugar es clave para los judíos, Taveira retrata las manos de un creyente que ora en el festival anual de Timkat, “una celebración cristiana ortodoxa de la Epifanía, que recuerda el bautismo de Jesús en el río Jordán”. Las telas que lo recubren funcionan como un resguardo de lo sagrado.

La obra expuesta de Mariza Formaggini es una pequeña selección de las fotografías tomadas en una travesía que le ocupó cinco años, investigando –como parte de un equipo multidisciplinario- las rutas y los usos rituales y populares de la flauta en distintas regiones de Brasil. Seleccionamos, entre centenares, imágenes que revelan aspectos del habitar en la reserva indígena del Alto Xingu: La integración entre cuerpo y naturaleza, pero también entre usos occidentales y ritos ancestrales, se revela en esta serie documental cuya virtud no es el momento perfecto sino justamente lo contrario: el registro de lo habitual que da forma a una ontología propia.

En la segunda planta de la exhibición, la relación con el ser –no menos afectiva- se despliega a partir de la conjugación del verbo imaginar en espacios conectados a la memoria de la niñez –como en los vagos, borrosos recuerdos de la infancia de Mauricio Mallet. Pero esta no responde a la imagen superficial del paraíso perdido: tiene la profundidad de las contradicciones humanas; es un océano en el que a veces flotamos sólos como en una obra de Karla Caprali que no teme captar en sus piezas lo punzante. La violencia afectiva o política acecha también en algunos de sus bordados con niños y niñas como personajes rodeados por el desasosiego del mundo.

Los pequeños personajes dibujados en tinta por Thainan Castro sobre papel con infinita delicadeza saltan cuerda, empujan una rueda, juegan con la arena, sobre los textos de poemas que no pueden –ni necesitan- leerse, y que nos susurran un secreto del que sí teníamos necesidad. También Mateu Velasco pinta los universos de niños y niñas, casi siempre con enormes nubes en el lugar de sus cabezas, donde gravitan infinidad de pequeñas cosas. Y a menudo, figuras como conejos o peces se incorporan a una iconografía que gira en torno a la urgencia –o a la imposibilidad- de comunicar a otros el propio cosmos. Lo que tienen en común Velasco y Thainan, Caprali y Mallet es que sugieren la urgencia de la imaginación para transitar en el laberinto del mundo que habitamos.


Aluna Curatorial Collective (Adriana Herrera and Willy Castellanos) with Flavia M. Pecego as Curatorial Assistant.

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